Hay una línea muy llamativa a la mitad de la cuarta canción del tercer álbum de Wolf Alice , un estallido puntiagudo de ira justa llamada Smile: «Soy lo que soy y soy buena en eso», grita Ellie Rowsell, «y tú no no me gusta, bueno, eso no es jodidamente relevante «.
Esto es algo fanfarrón, particularmente de alguien cuya imagen pública, como señala Smile, es la de un artista sensible, un entrevistado cauteloso . Por otra parte, tal vez una banda como Wolf Alice tenga derecho a pavonearse. Dos álbumes Top 5, un premio Mercury y una nominación al Grammy en su carrera, han recorrido un largo camino en un clima en el que se supone que lo que alguna vez se llamó música “indie” debe tener problemas.
A primera vista, parecen una banda muy de la década de 2020, construida para un mundo pop en el que la sensibilidad y la leve aspiración son más importantes que el glamour y la venta desesperada de sueños. A pesar de toda la atención de Vogue – «Así es como una británica lo hace al estilo Glastonbury » – Rowsell parece notablemente más «la famosa compañera genial de la hermana mayor» que «una estrella de rock bendecida con un carisma de otro mundo». Sus letras tienden a lidiar con las frustraciones cotidianas de la vida de los veinteañeros; ya sea en el personaje o no, es un leve shock escucharla cantar sobre aceptar cualquier droga que le ofrezcan en Los Ángeles en Delicious Things de Blue Weekend.
Tampoco son una banda que se haya tragado la mitología del rock consagrada que sugiere una vida más glamorosa, extraña, transgresora y emocionante que la tuya. El documental de la gira de 2017 On the Road mostró que estar en una banda como Wolf Alice pareciera un trabajo para desempleados, una ronda monótona y agotadora de experiencias ligeramente decepcionantes que el director Michael Winterbottom comparó con «una forma horrible de acampar».. Del mismo modo, sus puntos de referencia musicales más obvios (shoegazing y grunge, un toque de Elástica sobre sus momentos más punk) datan en gran parte de principios de los 90. Sus influencias se aplican con destreza, pero son lo suficientemente audibles como para atraer a una audiencia que recuerda estas cosas por primera vez. Hay algo para los jóvenes de 16 años y los oyentes de BBC Radio 6 Music que recuerdan cuando el Foro O2 se llamaba Town and Country Club.
Es una receta para un cierto nivel de éxito, pero el disco Blue Weekend es, obviamente, un golpe en la mesa hacia algo más grande. La silla del productor está ocupada por Markus Dravs, cuyo CV (Coldplay, Arcade Fire, Florence + the Machine) sugiere que él es el tipo de persona al que llama por teléfono si encuentra que tus ambiciones se extienden un poco más allá de su estado actual. Es un movimiento agravado por las circunstancias: atrapada en un estudio de grabación residencial por la pandemia de Covid, la banda optó por dedicar su tiempo a pulir el álbum que antes pensaban que estaba prácticamente terminado.
El movimiento por algo más grande puede ser el momento en que los artistas flaquean, donde se revela una evidente discrepancia entre la ambición y la capacidad, o el deseo de actuar en un escenario más grande inunda la esencia de lo que hizo que la gente le agradara en primer lugar. Pero, resulta que la audacia se adapta mejor a Wolf Alice de lo que cabría esperar. Al escuchar Blue Weekend, te sorprende la atractiva sensación de que todo encaja en su lugar. El sonido es más pulido y de pantalla ancha: el sonido y el eco de las guitarras cargadas de efectos en Feeling Myself evocan un universo alternativo en el que Slowdive había tocado en estadios; la explosión punky de Play the Greatest Hits resuena; The Last Man on Earth pasa de una balada de piano a algo épico, pero las canciones son lo suficientemente fuertes como para apoyarlo, mejor escritas que cualquier otra cosa en los álbumes anteriores de Wolf Alice. Nunca hueco los coros se disparan, como en Delicious Things y How Can I Make It OK ?; las palabras son agudas y ocasionalmente ingeniosas: «Ha tenido tantos amantes / Pero no está complaciendo a nadie», canta Rowsell en el narcótico Feeling Myself.
Incluso la acústica, aparentemente ligera Safe from Heartbreak (If You Never Fall in Love), tiene un ritmo de Abba en su melodía y voces armonizadas. A pesar de la letanía de preocupaciones de finales de los 20 en las letras: amistades que se tambalean a medida que cambian las prioridades (La playa); el atractivo continuo del hedonismo luchando contra la sospecha furtiva de que no está proporcionando el escape que alguna vez ofreció (Delicious Things); el deseo de mantener las relaciones románticas a pesar de sus evidentes fallas («Te llevo de regreso, sé que parece sorprendente», se encoge de hombros Lápiz labial en el cristal) – La voz de Rowsell se siente segura, cambiando con confianza de la intimidad susurrada a la plena y excitante arena. , aullidos de ira, a la frialdad del cristal tallado.
Sin desear acumular expectativas poco razonables, tiene el distintivo sabor de un álbum que podría ser enorme. Hay algo innegable en ello, el cautivador sonido de una banda que hace lo que hacen excepcionalmente bien, de modo que incluso el detractor más devoto podría verse obligado a comprender su éxito. El tipo de arrogancia que se escucha en la letra de Smile, y de hecho a lo largo de Blue Weekend, parece más comprensible que nunca.
Aquí el disco para su disfrute:
